El jazz es
un género
musical nacido
a finales del siglo
XIX en Estados
Unidos que se
expandió de forma global a lo largo de todo el siglo
XX.
La historia del jazz se caracteriza por dos rasgos
fundamentales:
- En primer lugar,
tanto por su constante asimilación de otras tendencias
musicales estilística o culturalmente ajenas a él, como
por su capacidad de mezclarse con otros generos y crear
nuevos estilos musicales, como el rock
and roll, que terminarían por evolucionar de forma
independiente al jazz.
- En segundo lugar, por
la sucesión de forma ininterrumpida de un numeroso
conjunto de subestilos que, vistos en perspectiva,
manifiestan entre algunos de ellos enormes diferencias
musicales (véase el catálogo de estos subgéneros en
el cuadro de la derecha).
La palabra jazz, referida a un género musical, aparece
escrita por primera vez el 6 de marzo de 1913 en el
periódico San
Francisco Bulletin, cuando, al reseñar el tipo de música
ejecutada por una orquesta del ejército, señaló que sus
integrantes entrenaban a ritmo de ragtime y jazz.1 En
estos primeros años, la forma del nombre oscila entre jaz,
jas, jass, jasz o jascz, y, según Walter
Kingsley, colaborador del New
York Sun, "el término es de origen africano, común en la
Costa del Oro africana y en las tierras del interior".2 No
obstante, puede que fuese un término originario del minstrel
o del vodevil,
o incluso del mundo árabe. Varios autores han subrayado
también su relación con el acto sexual en el argot
norteamericano.
El primer disco en el que apareció la palabra jazz como
definidora de la música en él contenida lo grabó la Original
Dixieland Band en
enero de 1917 en Nueva
York; durante ese año, además, se popularizaría el
término, que probablemente había sido ya de uso común en la
lengua oral entre 1913 y 1915.
El jazz se
caracteriza por eludir la ejecución de las interpretaciones
a partir de la lectura fiel de una partitura (a pesar de que
muchos músicos de jazz dominen el lenguaje musical): la base
de la interpretación y el estilo jazzístico es la improvisación.
En cualquier caso, exceptuando al free
jazz o
algunas jam
session (donde
suele suceder que no se trabaje sobre ningún tema ya
conocido), improvisar significa
que el intérprete recrea
libremente el tema en cada ejecución sobre una determinada
estructura armónica, ya sea en público o en un estudio de
grabación: la melodía funciona
como tema principal e idea para desarrollar una posible
interpretación. En este sentido, la música de jazz se centra
más en el intérprete que en elcompositor.
La improvisación diferencia de forma primordial al jazz de
otros estilos musicales de la tradición musical occidental,
como la música
clásica europea.
En este sentido, el jazz recupera en la música occidental la
improvisación como esencia musical, como existe en la mayor
parte de las tradiciones musicales de origen no europeo,
especialmente de los ritmos africanos, con predominio del
uso de síncopas y
de determinadas formaciones orquestales.
En cuanto a su repercusión pública, la subordinación de la
melodía (el factor más valorado, por ejemplo, en la música pop)
a la libertad creativa del artista, ha alejado
históricamente al jazz de una presencia comercial masiva.
El patrón subyacente sobre el que se delinean melodías
sincopadas y figuras
rítmicas (frecuentemente,
un ritmo
aditivo3 )
es metronómico y
la organización armónica tonal emplea frecuentemente la
escala del blues con
fines melódicos. Son recursos habituales las blue
notes, síncopas, ritmos
múltiples, vibratos y glissandos.
El formato de los temas de jazz es, en la mayoría de las
interpretaciones, el del blues y
el de la canción
popular.
El jazz es habitualmente interpretado por formaciones en las
que se destaca un instrumento solista (concertino)
acompañado de una sección rítmica (ripieno formado
por una batería,
uncontrabajo o bajo
eléctrico y
algún instrumento armónico como el piano,
el banjo o
la guitarra).
Las formaciones pueden ser muy variables, desde solistas sin
acompañamiento, tríos, cuartetos o quintetos, hasta las
grandes Big Bands en las que la improvisación juega un papel
secundario.
La libertad interpretativa, que es definitoria del jazz, ha
llevado al uso de un término histórico, swing,
como sinónimo de una determinada calidad rítmica que es
percibida de una forma completamente subjetiva. Los
instrumentos de la sección rítmica adaptan las figuras de
sus improvisaciones o acompañamientos de acuerdo al tempo elegido
para la interpretación. Al ser variable y subjetivo, no
existe consenso sobre la notación correcta del
swing y se suele aceptar escrito en corcheas.
Historia del jazz [editar]
El género se desarrolló en embrión a partir de las
tradiciones de África occidental, Europa y Norteamérica
que hallaron su crisol entre la comunidad afroamericana
asentada en el sur de Estados Unidos.
4
Geográficamente, el jazz surge en el estado de Luisiana,
concretamente en la zona de influencia de Nueva
Orleans (cuna
del estilo musical y principal centro jazzístico durante la
primera época del jazz),5 a
donde llegaban grandes remesas de esclavos de color,
fundamentalmente de la zona occidental de África, al sur del Sáhara,
la zona denominada Costa
de Marfil, "Costa del Oro" o "Costa de los esclavos".
En muchas áreas del Sur de Estados Unidos, el batir de
tambores estaba específicamente prohibido por la ley, de
forma que los esclavos negros tuvieron que recurrir a la
percusión mediante las palmas de las manos y el batir de los
pies para disfrutar de sus fiestas y su música
característica. Sin embargo, la prohibición no tuvo vigor en
la llamada Place
Congo(Congo Square) de
Nueva Orleans, en la que hasta la Guerra
de Secesión los
esclavos tenían libertad para reunirse, cantar y acompañarse
de verdaderos instrumentos de percusión tales como calabazas resecas
y rellenas de piedrecitas, el birimbao,
las quijadas,
el piano de dedo pulgar o sanza,
y el banjo de
cuatro cuerdas.
Musicalmente, el jazz nace de la combinación de tres
tradiciones: la autóctona estadounidense, la africana y la
europea.
La comunidad afroamericana del sur de los Estados
Unidos desarrolló
su expresión musical a través de la improvisación creativa
sobre el material que le proporcionaban las músicas
religiosas (especialmente, los bailes y rituales vinculados
al vudú)
y seglares propias traídas de África, la tradición
instrumental de las orquestas estadounidenses (sobre todo,
las bandas militares) y las formas y armonías de la música
europea.
Estas primeras manifestaciones musicales afroamericanas eran
una mezcla de ritmos e instrumentos asociadas a la vida de
los esclavos, por lo tanto interpretadas como canciones de
trabajo y de diversión colectiva. La improvisación es ya, en
estos primeros momentos, un componente esencial de estas
músicas, que las contrapone a la música compuesta de los
blancos.
Los esclavos fusionaron muchas de sus tradiciones africanas
con el cristianismo protestante que les impusieron sus amos,
lo que constituyó el caldo de cultivo apropiado para el
desarrollo de los espirituales.
Es importante observar el hecho de que, a pesar de las
divergencias en ritmo, armonía y estilo interpretativo, la
tradición musical europea que los esclavos conocieron en
Estados Unidos ofrecía puntos de contacto con su propia
tradición: así, la escala
diatónica era
común a ambas culturas. Si a esto se le añade el relativo
aislamiento cultural en que vivía gran número de esclavos y
la tolerancia de los amos respecto de su música, la
consecuencia fue que pudiesen mantener íntegro gran parte de
su legado musical en el momento de fusionarse con los
elementos compatibles de la música europea y estadounidense,
con lo que se consiguió un híbrido con notable influencia
africana.
La finalización de la guerra que enfrentó el norte con el
sur, permitió la llegada de gran cantidad de instrumentos
musicales a las manos de los esclavos recién liberados,
muchos de los cuales tomaron la música como forma de vida.
Con estos nuevos instrumentos y reuniendo todas las
influencias musicales, se formaron las 'marching bands' y
las bandas de música bailable de la época, que, a finales
del XIX, suponían el formato habitual en lo que a conciertos
de música popular se refiere. Los instrumentos de este tipo
de grupos se convirtieron así en los instrumentos básicos
del jazz: la corneta,
eltrombón,
los 'reeds' o 'instrumentos de lengüeta' como el clarinete,
y la batería.
Los músicos negros solían utilizar la melodía,
la estructura y el ritmo de las marchas como punto de
salida. Sin embargo, en el proyecto de la Dotación Nacional
para las Humanidades ("Norte por Sur, de Charleston a
Harlem") se dice: "(…) un espíritu negro, relacionado con el
ritmo y la melodía, emergía desde los confines de la
tradición musical europea, aun a pesar de que los
intérpretes utilizaban instrumentos europeos. El gusto
afroamericano por diversificar las melodías y remodelar los
ritmos supuso la base de la que surgirían después muchos de
los más grandes intérpretes del jazz."[cita requerida]
Siguiendo la tradición afroamericana de Nueva
Orleans, muchos músicos negros consiguieron ganarse la
vida en pequeñas bandas que eran contratadas para tocar en
funerales. Estas bandas africanizadas jugaron un papel
embrionario en la articulación y diseminación de las formas
tempranas del jazz. Viajando a través de las comunidades
negras, desde el sur profundo a las grandes ciudades del
norte, estos músicos pioneros consiguieron establecer el
aullido, la estridencia, el libre desvarió, la "ragedia" (raggedy)
y el espíritu del ragtime,
dando vida a una más elocuente y sofisticada versión del
ritmo. Así las cosas, las formas iniciales del jazz, con sus
raíces populares y humildes, fueron básicamente el producto
de músicos autodidactas.
El endurecimiento de las leyes ‘Jim
Crow’ en Luisiana a
finales del XIX (que promovían la segregación racial con el
tristemente famoso "iguales pero separados") hizo que muchos
músicos afroamericanos fueran expulsados de diversas bandas
que mezclaban a blancos y a negros. La habilidad de estos
artistas musicalmente formados, capaces de transcribir y
leer aquello que en gran parte suponía un arte de
improvisación, hizo posible conservar y diseminar sus
innovaciones musicales, hecho que cobraría una importancia
creciente en la ya cercana época de las grandes bandas.
Progresivamente, aparte de irse creando esos grupos de
músicos negros que actúan de forma autónoma y conjuntada
como tales, se van estandarizando algunos estilos o géneros:
- Los field
shouters o
lamentos de los esclavos expresando la crueldad de sus
largas horas de trabajo, a los que luego fueron
incorporados algunos instrumentos occidentales y
principalmente, el ritmo sincopado africano.
- El blues:
asociado a la descripción de un estado emocional
desconsolado o marcado por la depresión, aunque no sea
intrínsecamente pesimista: expresa problemas
relacionados con la pobreza, la emigración, las disputas
familiares, la opresión, pero los reconduce con su
expresión hacia la experimentación de una catarsis que
deriva bien en la resignación, bien en el optimismo. El
entorno original del blues es el gueto negro urbano y la
granja rural.6
El blues cuenta con una historia en gran medida
independiente del jazz, a pesar de que su papel crucial
en la creación y desarrollo del jazz resulta innegable.
El formato musical, la escala y los rasgos
interpretativos del blues forman parte del jazz y son
decisivos para la comprensión de dicho género.
7
- Las worksongs o
canciones de trabajo en las plantaciones de algodón;
- También la música de
baile de las plantaciones contribuyó con seguridad a la
formación del jazz y sus intérpretes son probablemente
un precedente de sus primeros combos. Esta música servía
para acompañar el baile y la aportaba un grupo de tres
músicos: violín, banjo y
percusión ligera (que a finales del siglo XIX contarían
también con contrabajo o violoncheloy
trompeta o corneta);
- La comedia, el vodevil y
los minstrels;
- Los espirituales;
- Las marchas
ejecutadas por brass
bands, bandas callejeras que actuaban en desfiles,
cortejos, etc.;
- El ragtime,
"la primera música negra que consiguió amplia
popularidad y distribución comercial",8 y
de enorme influencia en toda la música estadounidense y
en la música clásica de la época en general.
La mayoría de las consideraciones musicales relativas al
jazz anterior a 1917 son materia de especulación, pues
apenas existen grabaciones de lo que hoy se suele
conocer como jazz.
9
Se considera a Buddy
Bolden, cornetista y director musical, como el primer
músico de Nueva Orleáns que tocó jazz.
Los primeros músicos de jazz [editar]
Los primeros grupos musicales que tocaron música jazz se
caracterizaban por poseer una sección rítmica cuya función
no era melódica y que evolucionaría hasta componerse de
piano, contrabajo y batería. En este sentido, la importancia
del piano para el nuevo estilo fue fundamental:
Mientras que el pianista de ragtime operaba como una
entidad autosuficiente que ejecutaba de modo simultáneo
los elementos melódicos, armónicos y rítmicos de la
pieza, el pianista inscrito en un grupo de jazz se
especializaba en dos de estas tres funciones: el patrón
armónico y el ritmo propulsivo.
10
Por otro lado, el percusionista añadió vivacidad y síncopa a
estos primeros combos jazzísticos. El instrumento melódico
fundamental era la trompeta o corneta, que servía para
delinear melodías sincopadas muy al estilo ragtime.
En cuanto a los músicos individuales, los pioneros del jazz
fueron King
Oliver, Freddie
Keppard, Louis
Armstrong, Jelly
Roll Morton, Sidney
Bechet y Buddy
Bolden.
{{cita|El ritmo de los grupos de Nueva
Orleans (...)
se caracterizaba por operar en tres niveles: el pulso de
negra, el grupo armónico de blanca y el grupo melódico u
ornamental de corchea. (...) La polifonía improvisada de la
primera línea consistía en ornamentación, obbligato e
invención contramelódica. (...) El conjunto musical incluía
elementos formales
Rítmicamente, los dos rasgos característicos del jazz de
Nueva Orleans eran el break, originador de homofonía, y el
stomp, con rasgos polifónicos.11
Por lo demás, el jazz de los primeros tiempos tenía una
clara funcionalidad social, tocándose en funerales, bodas,
bailes, etc. Esta asociación con elementos populares
conllevó que el jazz fuese vinculado a la vida licenciosa,
ganándose las constantes críticas de la prensa a partir de
los primeros años veinte por considerarse un síntoma de un
generalizado declive moral.
Desarrollo del jazz [editar]
Posteriormente, inaugurando la época del swing,
(1923-1939)
llegó King
Oliver, con su "Creole Jazz Band" y grabó entre otras
composiciones "Dippermouth Blues". Los tres solos a corneta
de esa pieza, además de ser el punto de inflexión entre la
música callejera y el jazz, fueron imitados sin
contemplaciones hasta mucho tiempo después por un gran
número de músicos. Louis
Armstrong -
segunda trompeta de
su banda y discípulo suyo- retomó en la orquesta de Fletcher
Henderson el
estilo, el virtuosismo y
la flexibilidad rítmica de Joe
Oliver, superándolo y marcando un camino imborrable en
el tiempo. Otro gran iniciador del camino de la
improvisación fue Sidney
Bechet, virtuoso del clarinete y
el saxofón
soprano, precursor del "solo" en el jazz, que también en
1923 cautivó a los oyentes de la nueva música con sus
grabaciones de "Wild Cat Blues", "Kansas City Man Blues", y
en especial, el magistral "House Rent Blues".
Durante finales de los años veinte y hasta mediados de la
década del 40, fueron las grandes bandas quienes dominaron
la escena musical. El Swing se caracterizó por su carácter
melódico que permitió que fuera una música perfecta para el
baile por lo que su penetración mundial fue acelerada. Las
composiciones seguían un formato escrito y no se daba gran
libertad a la improvisación aunque esta no fuera la regla.
En principio las grandes bandas eran raciales pero
finalmente se fueron integrando músicos blancos y negros.
Los más famosos directores de estas grandes bandas fueron Fletcher
Henderson, Count
Basie, Duke
Ellington, Benny
Goodman, entre otros.
El bebop (1940-1950),
la revolución musical base de todo el jazz moderno,
coincidió con la huelga de grabaciones que desde el 1
de agosto de 1942 hasta
noviembre de 1944 llevaron
a cabo todos los músicos organizados en torno a la
Federación Estadounidense de Músicos (AFM). El efecto más
perverso de esa huelga fue retrasar oficialmente el
nacimiento de aquella nueva música que se estaba gestando en
el norte del barrio de Harlem y
en torno a un club ya histórico y desaparecido: El Minton's
Playhouse de Harlem, en Nueva
York. Charlie
Parker,Dizzy
Gillespie y Thelonious
Monk fueron
los grandes gestores de este género musical.
El cool o West
Coast jazz, y el hardbop (1951-1969)
convivieron durante este periodo de tiempo en una pugna por
la hegemonía musical del jazz. Mientras en la Costa Oeste de
Estados Unidos, Lennie
Tristano, Lee
Konitz, Dave
Brubeck, Paul
Desmond y
otros músicos generalmente blancos le daban al jazz una
impronta estilísticamente más culta, y presuntamente más
funcional, en la Costa Este surgió con enorme fuerza
alrededor del batería, Art
Blakey, Horace
Silver y los Jazz
Messengers, un estilo que los negros neoyorquinos no
dudaron en considerarlo no sólo como una respuesta al
presunto amaneramiento del jazz, sino como legitimo heredero
del bebop. Luego llegaron al jazz aires renovados que
inauguraron toda una época: llegó el jazz libre o freejazz. Ornette
Coleman fue
acusado por los puristas de asesinar al jazz, pero cuando Miles
Davis, entró en ese terreno con discos y aventuras
musicales eléctricas, las críticas no sólo terminaron, sino
que se volvieron alabanzas. John
Coltrane, quien formó parte de algunas formaciones
lideradas por Davis, es otro de los músicos insoslayables de
este lenguaje musical.
A fines de los años
1960 y
comienzos de los años
1970, el jazz se mezcló con el rock para dar lugar a
agrupaciones como Soft
Machine, Mahavishnu
Orchestra, Weather
Report, Return
to Forever, bandas integradas por muchos de los músicos
que habían participado del disco Bitches
Brew de Miles
Davis (o que
habían sido inspirados por aquel álbum), representantes de
un estilo llamado fusión o Jazz
Rock. Ellos son: Robert
Wyatt, John
Mc Laughlin, Chick
Corea, Herbie
Hancock, Dave
Holland, Wayne
Shorter, Ron
Carter, Joe
Zawinul, Jack
DeJohnette,Billy
Cobham, Lenny
White. Si bien la moda del jazz-rock pasó,
estos músicos desarrollaron -con algunos altibajos- carreras
interesantes. Desde esa década -y hasta el presente-,
aparecieron otros nombres: Jaco
Pastorius -muerto
trágicamente en 1987,
víctima de un custodio de un bar-, Michael
Brecker y su
hermano Randy
Brecker, Pat
Metheny, Bill
Frisell, Mike
Stern, David
Fiuczynski, Esbjörn
Svensson Trio, etc.
La escena musical estadounidense a
comienzos del siglo XX [editar]
Al inicio del siglo XX la sociedad estadounidense había
comenzado a despojarse de la opresiva y rígida formalidad
que había caracterizado a la era
victoriana.
Desde el siglo XIX, con las canciones de comedia y
'trovadores' (los "minstrel
shows") o las melodías de Stephen
Foster, la influencia de las tradiciones musicales
afroamericanas aparecía como parte integrante de la música
popular estadounidense y lo hizo así durante generaciones.
Los clubes, las salas de baile y los cafés (‘tea rooms’)
comenzaron a aparecer en todas las ciudades. Curiosamente
los bailes llamados negros, que se inspiraban en movimientos
africanos –como el ‘shimmy’,
el ‘turkey
trot’, el ‘chicken
scratch’, el ‘monkey
glide’, y el ‘bunny
hug’- fueron adoptados por un público blanco. El ‘cake
walk’, desarrollado por esclavos como parodia de los
bailes formales de sus amos, se convirtió en el último
grito. El público blanco aprendía estos bailes viéndolos
primero en programas de vodevil y observando luego a
bailarines profesionales en los clubes.
En aquellos tiempos la música de baile popular no era el
jazz aunque se encontraban ya formas precursoras, por
ejemplo en la experimentación e innovación musical del blues
o el ragtime, que pronto florecerían como jazz. Compositores
neoyorquinos (los conocidos como el grupo de la ‘Tin
Pan Alley’, entre ellos Irving
Berlin), incorporaron la influencia del ragtime a sus
composiciones aunque apenas utilizaban los mecanismos
específicos que eran naturales a los artistas del jazz –los
ritmos, las blue
notes. Pocas cosas consiguieron más para hacer popular
este tipo de música que el éxito de Berlin de 1911 llamado
"Alexander's Ragtime Band", que se convirtió en una
auténtica locura tanto en los Estados Unidos como en Europa
(especialmente en Viena). Aunque la canción no estaba
escrita como un ragtime, la letra describe a un grupo de
jazz que convertía canciones populares a ritmos de jazz
–como en la línea donde dice: "si quieres oír el ‘Swanee
River’ tocado en ragtime…".
El ‘Jazz’ de Nueva Orleans [editar]
Una gran cantidad de estilos regionales contribuyeron al
desarrollo inicial del jazz. Probablemente el primer
movimiento musical al que comúnmente se denominó jazz
(frecuentemente escrito 'jass' entonces) fue el desarrollado
en el área de Nueva
Orleans, en Luisiana.
La ciudad de Nueva Orleans y las áreas circundantes siempre
han sido un centro musical regional. Gente de diferentes
naciones de África, Europa y Latinoamérica contribuyeron al
rico patrimonio musical de Nueva Orleans. En la era colonial
de Francia y España, los esclavos tenían más libertad de
expresión cultural que los de las colonias inglesas que
luego se convertirían en los Estados Unidos. En las colonias
protestantes, la música africana era vista como "pagana" y
era comúnmente suprimida, mientras que en Louisiana era
aceptada. Las celebraciones musicales africanas se siguieron
celebrando en "Congo Square" en Nueva Orleans hasta por lo
menos 1830,
a las que también asistían blancos interesados, y algunas de
sus melodías y ritmos fueron usados en las composiciones del
compositor Louis
Moreau Gottschalk. Además de la población esclava, Nueva
Orleans también tenía la mayor comunidad de gente de color
libre en Norteamérica, quienes se enorgullecían de su
educación y usaban instrumentos europeos para ejecutar
música europea y sus propias canciones de folk.
De acuerdo con muchos músicos de Nueva Orleans que
recordaban la época, las figuras clave en el desarrollo del
nuevo estilo fueron el extravagante trompetista Buddy
Bolden y los
miembros de su banda. Bolden es recordado como el primero en
tomar el blues -hasta
el momento una música folclórica cantada y acompañada por
instrumentos de cuerda o armónica-
y arreglarlo para instrumentos de metal. La banda de Bolden
tocó blues y otras canciones, "variando la melodía"
constantemente (improvisando), creando una sensación en la
ciudad y rápidamente fueron imitados por muchos otros
músicos.
Hacia principios del siglo XX, viajeros que visitaban Nueva
Orleans remarcaban la habilidad de las bandas locales para
tocar "ragtime"
con una vitalidad que no se escuchaba en otros lados.
Las características que apartaron el temprano estilo de
Nueva Orleans de la música ragtime que se tocaba en otros
lados fue la mayor libertar en la improvisación rítmica. Los
músicos deragtime le
daban un ritmo sincopado y ejecutaban una nota dos veces (a
la mitad del valor de tiempo), mientras que el estilo de
Nueva Orleans usaba una improvisación rítmica más intrincada
a menudo colocando notas lejos del golpe tácito (comparen,
por ejemplo, el piano de Jelly
Roll Morton con
los de Scott
Joplin). Los músicos del estilo de Nueva Orleans también
adoptaron mucho vocabulario del blues, incluyendo notas
dobladas, notas de blues y "gruñidos" instrumentales no
usados en los instrumentos europeos.
Las figuras clave en el desarrollo temprano del nuevo estilo
fueron Freddie Keppard, que dominó el estilo de Bolden; Joe
Oliver, que tenía un estilo más profundamente basado en
el blues que el de Bolden's; y Kid
Ory, un trombonista que ayudó a cristalizar el estilo
con sus banda contratando a muchos de los mejores músicos de
la ciudad. El nuevo estilo también fue dirigido a los
jóvenes blancos, especialmente a los hijos de inmigrantes de
la clase trabajadora, quienes adoptaron el estilo con
entusiasmo. Papa Jack Laine lideró una banda multi-étnica
por la que pasaron casi dos generaciones de músicos blancos
de jazz de Nueva Orleans (y también una cantidad de gente de
color).
Otros estilos regionales [editar]
Mientras tanto, otros estilos regionales se estuvieron
desarrollando, los cuales influenciarían el desarrollo del
jazz.
El ministro afroamericano Reverendo Daniel J. Jenkins de
Charleston (Carolina del Sur), fue una figura insólita de
gran importancia en el temprano desarrollo del jazz. En
1891, Jenkins estableció el Orfanato Jenkins para niños y
cuatro años después instituyó un riguroso programa musical
en el cual los jóvenes del orfanato eran educados en música
religiosa y secular contemporánea, incluyendo overturas y
marchas. Huérfanos precoces y fugitivos, algunos de los
cuales tocaban ragtime en bares y burdeles, fueron enviados
al orfanato para su "salvación" y rehabilitación, y también
para que hicieran su contribución a la música. Siguiendo la
moda de los Fisk Jubilee Singers y de la Universidad de
Fisk, las bandas del orfanato Jenkins viajaron mucho,
ganando dinero para mantener el orfanato. Era un costoso
emprendimiento. Jenkins recibía anualmente en el orfanato
aproximadamente 125 - 150 "ovejas negras", y muchos de ellos
recibieron entrenamiento musical formal. Menos de 30 años
después, cinco bandas actuaban nacionalmente, y una de ellas
viajaba a Inglaterra -en contra de la tradición Fisk. Sería
difícil exagerar la influencia de las bandas del Orfanato
Jenkins en el temprano jazz, dado que sus miembros llegaron
a tocar con leyendas del jazz como Duke
Ellington, Lionel
Hampton y Count
Basie. Entre ellos estuvieron los virtuosos trompetistas
Cladys "Cat" Anderson, Gus Aitken y Jabbo Smith.
En el norte de Estados Unidos, se desarrolló un estilo
"caliente" de tocar ragtime. Centrándonos en la ciudad de Nueva
York, se puede encontrar este estilo en las comunidades
afroamericanas desde Baltimore hasta Maryland.
Algunos comentaristas posteriores han categorizado esta
forma musical como una temprana forma de jazz, mientras que
otros discrepan. Fue caracterizado por su ritmo jovial, pero
carecía de la influencia "blues" de los estilos sureños. Las
versiones solistas de piano del estilo norteño fueron
tipificadas por pianistas como el célebre compositor Eubie
Blake (un
hijo de esclavos cuya carrera musical se extendió durante
ocho décadas). James
P. Johnson tomó
el estilo norteño y en 1919desarrolló
un estilo propio para tocar que fue conocido como "stride",
también conocido como "barrelhouse piano". En este estilo,
la mano derecha toca la melodía, mientras que la izquierda
camina o "da saltos" de un compás más rápido a uno más
lento, manteniendo el ritmo. Johnson influyó a pianistas
posteriores como Fats
Waller, Willie
"The Lion" Smith, Art
Tatum y Billy
Kyle.
El principal líder orquestal de este estilo fue James
Reese Europe, y sus grabaciones de 1913 y 1914 preservan
un raro vislumbre de la cumbre de este estilo. Fue durante
estos tiempos cuando la música de Europe influyó en un
entonces joven George
Gershwin, quien compondría la clásica "Rapsodia
en azul" ("Rhapsody in Blue") inspirada en el jazz. En
la época en que Europe grabó nuevamente, en 1919, Gershwin
incorporó a su vez la influencia que había tenido en él el
estilo de Nueva Orleans a su música. Las grabaciones de Tim
Brymn dieron a las generaciones siguientes una mirada
diferente del "caliente" estilo norteño sin ser demasiado
evidente la influencia de Nueva Orleans.
A comienzos de 1910 en Chicago,
un tipo popular de bandas de baile consistió en un saxofón
tocando una melodía vigorosamente: Bud
Freeman era
su nombre. La ciudad pronto cayó en una fuerte influencia de
los músicos de Nueva Orleans, y el estilo más antiguó se
fusionó con el de Nueva Orleans para formar lo que sería
llamado "Chicago Jazz".
A las orillas del Mississippi desde Memphis, Tennessee,
hasta Saint
Louis, Missouri,
se desarrolló otro estilo de bandas que incorporaron el
Blues. El compositor y líder más famoso de este estilo fue
el "Padre del Blues", W.
C. Handy. Mientras que en algunos aspectos era similar
al estilo de Nueva Orleans (la influencia de Bolden se
difundió a lo largo del río), carecía de la libre
improvisación de los estilos más sureños. Handy, por muchos
años acusó al jazz de ser innecesariamente caótico, y en su
estilo la improvisación estaba limitada a cortos rellenos
entre frases considerándolo inapropiado para la melodía
principal.
Movimiento por los derechos
civiles y el jazz [editar]
El Movimiento
por los Derechos Civiles en Estados Unidos fue
una lucha no violenta para extender el acceso pleno a los
derechos civiles y la igualdad ante la ley a los grupos que
no los tienen, sobre todo a los afroamericanos. Esa lucha
tenía como objetivo terminar la discriminación contra los
afroamericanos y con la segregación
racial, especialmente en los estados del Sur. Se
considera que este período en 1955 con la Asociación
para el Mejoramiento de Montgomery y
finaliza con el asesinato de Martin
Luther King Jr., aunque el movimiento por los derechos
civiles sigue actuando. El trompetista Louis
Armstrong contribuyó
económicamente con este movimiento. Ray
Charles (el
cantante y pianista) también aportó a la causa. Archie
Shepp (escritor,
músico y activista político) comienza a usar su música para
apoyar la lucha de los negros americanos. Compuso dos temas
claramente relacionados con esta lucha: “Rufus" es la
transposición musical del linchamiento de un negro y “The
Funeral” está dedicada al secretario de la NAACP, Medgar
Evers, quien había sido asesinado por aquellos años. Su
disco más famoso fue Fire
Music,12 en
el que sus composiciones estaban dedicadas a las grandes
figuras negras del movimiento, entre ellas, Malcolm
X (activista
de una organización llamada La nación del Islam). El
baterista Max
Roach, muy sensibilizado con la lucha de los negros
introduce en su arte una intención totalmente política. En
1960, ese discurso se radicaliza y pasa de las palabras a
los hechos organizando un festival paralelo y alternativo al
oficial de Newport de ese año como forma de protesta contra
la segregación racial y graba el disco We
Insist! Freedom Now Suite,13 una
declaración contra el racismo manifestado desde la misma
portada del álbum, donde se ve a un camarero blanco en la
barra de un café con gesto amenazante hacía sus tres
clientes negros. Sonny
Rollins y Coleman
Hawkins graban Freedom
Suite, que fue la primer composición de jazz
explícitamente dedicada a la protesta. Sobre este disco,
Rollins dijo “América está embebida en cultura negra”.
Sostenía que los afroamericanos representaban la esencia de
la cultura americana pero eran oprimidos por un grupo
(europeos blancos). Freedom
Suite era un
grito de protesta contra la forma en la que se los trataba a
los afroamericanos desde los días de la esclavitud hasta los
días de la grabación del disco. Rollins fue un hombre
brillante que logró canalizar sus sentimientos de opresión a
través del ejercicio del arte. Sidney
Bechet (clarinetista
nacido en Nueva Orleans a fines del siglo XIX) dijo:
“Después de la emancipación…todos los que han sido esclavos
necesitan ahora la música más que nunca; es como si trataran
de encontrar en esta música lo que se suponía que
encontrarían con esta libertad: tocar la música y escucharla
esperando que exprese lo que necesitan aprender una vez que
hayan aprendido que no es sólo a los blancos a los que le
tiene que llegar la música, sino directo a la vida, y a lo
que un hombre hace con su vida cuando finalmente es suya.”14
Artistas destacados [editar]
Que incluye los músicos de jazz agrupados según instrumento:
Véase también [editar]
Fuentes y referencias [editar]
-
-
↑ Cf. Frank
Tirro, Historia
del jazz clásico, pág. 109.
-
↑ Citado
por Frank Tirro, ibidem.
-
↑ El
ritmo aditivo transforma los tiempos rápidos en
unidades de mayor duración.
-
↑ Frank
Tirro, Historia
del jazz clásico, pág. 25.
-
↑ Cf.
Ibidem, pág. 27.
-
↑ Cf.
Frank Tirro, Historia
del jazz clásico, capítulo 3.
-
↑ Frank
Tirro, ibidem, pág. 105.
-
↑ Cf.
Ibidem, pág. 41.
-
↑ Frank
Tirro, Historia
del jazz clásico, pág. 132.
-
↑ Frank
Tirro, Historia
del jazz clásico, pág. 137.
-
↑ "El
stomp, o proceso consistente en situar una figura
rítmica en una línea melódica, repitiéndola una y
otra vez en ostinato o riff, conduce a la
acentuación polifónica que subraya el ritmo
subyacente en la improvisación", Frank Tirro, Historia
del jazz clásico, pág. 145.
-
↑ Impulse,
1965
-
↑ Candid
Records, 1960
-
↑ Sidney
Bechet en su autobiografía "Tratalo gentilmente"
Enlaces externos [editar]
